Эпоха Возрождения

ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ

«Взятие Христа под стражу, или Поцелуй Иуды» ( Джотто ди Бондоне)

• Джотто ди Бондоне  ( июль 1266– 8 января 1337 ) – Итальянский живописец и архитектор Джотто ди Бондоне был первым представителем эпохи Проторенессанса, зародившейся в позднем средневековье во Флоренции. Работы мастера заложили основы западного искусства и продемонстрировали новую технику изображения перспективы и пространства, подхваченную и развитую знаменитыми представителями Возрождения  Леонардо да Винчи ,  Микеланджело  и  Рафаэлем .
•   Эта фреска считается одним из лучших произведений Джотто.
• Поцелуй Иуды – это изображение крайней степени падения человека, символ непосредственного столкновения добра и зла. Мирный проповедник Христос жестоко предан своим же любимым учеником, и не из идеологических разногласий, а всего лишь за жалкие деньги.
•    Фреска представляет собой многофигурную композицию, оформленную в очень красивой, сияющей цветовой гамме. На темно-синем фоне в весьма живых позах размещены три группы людей. В центре – Христос и вероломный Иуда, с одной стороны – наступающие стеной стражники и первосвященник, а с другой – апостолы и в гневе замахнувшийся ножом на предателя святой Петр. По Библии, он был рыбаком и нож всегда носил при себе. На фреске только он и Иисус выделен золотыми нимбами.    Впервые у Джотто фигуры библейских персонажей обрели не стандартные лики, а узнаваемые, характерные и живые лица. Христос – светловолосый и привлекательный молодой мужчина, а Иуда – отвратительный не только своим поступком, но и внешностью, стражники со злобным выражением лиц и взволнованные ученики – все это совершенно необычно для живописи предыдущих периодов.    Фигуры на фреске имеют объем, они уже не висят в воздухе, как на иконах, а складки их одеяний подчеркивают формы тел и движения. В целом все изображение кажется очень динамичным и выразительным.

«Троица» (Мазаччо )

Мазаччо  — великий итальянский художник XV века. Полное имя художника: Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди. Родился 21 декабря 1401 года в Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана.

Мазаччо — это великий художник раннего Возрождения. Он работал на самой заре расцвета живописи и внёс немалый вклад в становлении основных живописных законов и принципов. Учителями Мазаччо были Филиппо Брунеллески (1337-1446) и  Донателло  (1386-1466). Мазаччо стал известен именно своей религиозной живописью. Среди массы религиозных картин, фресок и росписей, также известны и три потерта Мазаччо. На всех трёх портретах Мазаччо изобразил молодых людей в профиль.

•   Это изображение распятия выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве.
•   Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас».    Фреска отличается не только удивительно правильным изображением перспективы, но и очень точной передачей множества архитектурных деталей. Так как это фреска (живопись по сырой штукатурке), то можно предположить, что сам мастер обладал удивительной скоростью письма и фантастической работоспособностью, чтобы вся картина была выполнена столь качественно и впечатляюще. Невероятное для времени создания работы мастерство удивительно точно и правильно передает впечатление человека, стоящего перед крупным архитектурным порталом. Создается полная иллюзия настоящего здания, так как на фреске превосходно изображено пространство, воздух.

«Поклонение волхвов», Мазаччо

• Эта картина — часть Пизанского полиптиха, которая относится к так называемой пределле — нижнему ряду изображений, расположенных под главными композиционными частями
•    Вытянутый в длину формат пределлы позволил мастеру удачно расположить множество фигур, создав максимально выразительные образы на минимальной площади. Картина изображает известный библейский мотив, когда к новорожденному Иисусу пришли три волхва, предсказавшие его появление на свет. Они нашли место рождения будущего Спасителя по Вифлеемской звезде.    На полотне изображена длинная процессия, которая выстроилась перед Девой Марией с младенцем Иисусом на руках Персонажи картины написаны на фоне гористого пейзажа с темными скалами, за которыми видна неширокая полоса синего неба с облачками. Это придает работе объемность и перспективу.    Еще современников Мазаччо восхищало мастерство, с которым изображены на картине лошади. Они стоят в различных положениях, что опять-таки придает картине глубину пространства. Кроме того, каждая лошадь обладает индивидуальностью и изображена с отменным мастерством.   На пределле много красок, ярких и сочных, составляющих великолепный контраст с мрачными горами на заднем плане и темным сараем, символизирующим ясли, где родился и провел первые часы Христос.    Насыщенные краски и выразительные формы характерны и для изображения животных в стойлах, особенно лежащей коровы, помещенной, как и лошади, в сложном ракурсе. Все эти детали усиливают впечатление активного движения на картине, при всей ее небольшой величине, производящей впечатление монументального произведения.

Бронзовый Давид

• Донателло ( родился в 1386 году — умер в 1466 году) — величайший итальянский скульптор XV века, выдающийся мастер изобразительного искусства эпохи Раннего Возрождения. Творческое наследие Донателло включает групповые и индивидуальные скульптурные композиции, бюсты, барельефы, надгробия и конные статуи. Наряду с классическими шедеврами гениальный ваятель также создавал глубоко реалистические скульптурные образы.
• Все исследователи сходятся на том, что одним из величайших творений Донателло был Давид, скульптура, отлитая в бронзе (предположительно 1430–1440-е годы).

• Давид – скульптура нестандартная. Продолжая воплощение своего замысла, заложенного еще в мраморном Давиде, Донателло изображает библейского героя молодым с головой только что поверженного Голиафа у ног. Сходство, однако, на этом и заканчивается. Бронзовый Давид не просто молод, он юн. Донателло изобразил его обнаженным, тщательно проработав все изгибы сильного, но еще не до конца сформировавшегося тела мальчика. Из одежды только пастушья шапка с лавровым венком и сандалии с поножами. Для постановки фигуры мастер использовал прием контрапоста. Вся тяжесть тела перенесена на правую ногу, левой же Давид попирает голову врага. Таким приемом достигается ощущение расслабленности позы, отдохновения после схватки. Внутренняя динамика, свойственная фигуре, хорошо читается благодаря отклонению тела от центральной оси скульптуры и расположению меча. Бронзовый Давид создан как статуя, которую можно рассмотреть со всех сторон. Это была первая обнаженная скульптура со времен Античности. Наследие мастеров Древней Греции и Древнего Рима чувствуется во всей фигуре героя. В то же время черты, присущие скульптуре, наполнены яркой индивидуальностью и являются тем самым воплощением идеалов Ренессанса.

«Юдифь и Олоферн»

• Еще одним прекрасным образцом мастерства Донателло стала статуя «Юдифь и Олоферн», созданная в 1455–1457 гг. Произведение иллюстрирует ветхозаветную историю о вдове из Ветилуи, храбро убившей ассирийского полководца Олоферна, чтобы спасти свой город от завоевания. Хрупкая женщина с отрешенным взглядом и лицом, полным скорби, держит в высоко поднятой руке меч, готовясь отсечь голову безвольно прислонившегося к ее ногам опьяненного Олоферна. «Юдифь и Олоферн» – один из вариантов популярных в эпоху Возрождения преданий о женском героизме. Донателло вложил в это произведение все свое мастерство и сумел передать как гамму чувств Юдифи, так и символизм образа в целом. Самая выразительная часть композиции – лицо вдовы. Оно проработано так тщательно, что кажется живым. При взгляде на Юдифь, сотворенную Донателло, очень легко понять, какие эмоции она испытывала. Тонкое умение предания лицу экспрессивных черт, свойственное мастеру, в полной мере было применено Донателло именно в этой скульптуре.

Битва при Сан-Романо, Паоло Уччелло

• Паоло Уччелло  (Paolo Uccello; родился 15 июня 1397 — умер 10 декабря 1475 гг.) — выдающийся итальянский художник XV века, яркий представитель религиозного, исторического и портретного жанров. Паоло Уччелло известен в европейской живописи, в первую очередь, благодаря новаторскому подходу к решению проблемы визуальной перспективы. У него не было последователей, поэтому стиль творчества мастера значительно отличается от манеры написания картин других художников эпохи Раннего Ренессанса. Многие факты из биографии живописца навсегда утрачены, но гениальный итальянец оставил потомкам множество прекрасных произведений.
• редставленная картина художника кватроченто Паоло Уччелло (около 1397-1475) - одна из трех, написанных им на данную тему и стоявших у истоков батального жанра в европейском искусстве. Все эти произведения, заказанные Леонардо Бартолини Салимбени, принимавшим участие в сражении, изображают моменты битвы флорентийцев с сиенцами, случившейся в 1432.
•     На картине «Битва при Сан-Романо»  флорентийский рыцарь копьем выбивает из седла предводителя вражеского войска Бернардино делла Чарда. Восседающий на белом коне вождь флорентийцев Никколо да Толентино уже опрокинул на землю одного из неприятелей. Вокруг идет битва, «смешались в кучу кони, люди», взметаются копья и арбалеты, летят на землю рыцари и их вооружение.    Напряжение всей сцене придает и то, что на небольшом пространстве уместилось множество фигур, к тому же по краям композиция нарочито срезана рамой, отчего кажется, что ей тесно в отведенным пределах. Уччелло изображает своих персонажей в самых разных позах. Вероятно, ради того, чтобы потренироваться в этом умении, он и взялся за работу. Рыжий конь слева, скачущий прочь, серый, с упавшим вместе с ним рыцарем, белый, на котором восседает предводитель флорентийцев, показывают, насколько художник справился со сложными ракурсами и перспективой. Динамизм всей сцены подчеркнут колоритом, в котором сталкиваются яркие, чистые цвета.

Весна - Сандро Боттичелли.

Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli; родился 1444/1446 — умер 17 мая 1510 гг.) — флорентийский художник XV века и яркий представитель раннего Итальянского Ренессанса. Среди современников он выделяется особенным стилем. Когда другие мастера увлекались перспективой и объемом, Сандро Боттичелли предпочитал ясные и лаконичные линии, сосредоточившись на передаче человеческих чувств. Его Мадонны и лики святых — по сути полные психологизма портреты, передающие тонкие душевные переживания. По сравнению с другими работами той эпохи, картины Боттичелли выглядят более легкими и изящными, а сдержанные эмоции его героев трогают нас даже спустя 500 лет.

Расцвет живописи Сандро Боттичелли пришелся на время, когда он сблизился с кружком гуманистов - поэтов, писателей, философов, художников - при дворе Медичи. Лоренцо Великолепный, правитель Флоренции, писал стихи и покровительствовал искусствам. Для виллы его кузена Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи и была заказана эта картина со сложным философско-поэтическим содержанием.    В  «Весне»  нашли отражение три неразрывных направления, в которых развивались искусство и философия фло­рентийских гуманистов: античный, христианский и куртуазный. Из античности здесь - персонажи и мотивы мифов. Справа Зефир, теплый западный ветер, похищает Хлориду, греческую нимфу полей и цветов, которая превращается, в изображенную тут же Флору - уже римскую богиню, осыпающую землю цветами. В левой части - три грации, олицетворяющие целомудрие, любовь и наслаждение. Меркурий, разгоняющий облака, стоя под сенью апельсиновых деревьев, отсылает воображение зрителя к мифу о Парисе и его выборе прекраснейшей из богинь, которой он как победительнице отдал яблоко. Эта богиня, Афродита, или, как ее называли древние римляне, Венера, мягко ступает по ковру из трав и цветов в центре картины. Над ее головой - Амур с луком, целящийся в одну из граций.

  Христианская тема проявляется здесь в том, что главная героиня напоминает Мадонну, рука которой словно благословляет всех. В этой героине сквозит и культ «прекрасной дамы», вдохновительницы поэтов. Эти куртуазные настроения процветали в кружке Лоренцо Великолепного. Картина была написана вскоре после того, как умерла возлюбленная брата Лоренцо, Джулиано Медичи, прекрасная Симонетта Веспуччи. Венера напоминает ее лицом. На самого же Джулиано походит Меркурий, в котором узнается также святой Себастьян, христианский мученик.    Эта работа, в которой сошлись самые разные мотивы, знаменовала собой важный поворот к живописи, не подчиненной никаким канонам. В ней была видна уже только душа художника и его воля. Русский искусствовед Павел Муратов писал о Боттичелли: «Он первым встречал утренний туман нового и долгого дня в истории мира под единственным знаменем чистого искусства».

«Рождение Венеры»

«Рождение Венеры» , как и « Весну », художник написал для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Сюжет этой картины основан на мифе о том, как из пены морской появилась на свет богиня любви. Боттичелли мог найти изложение мифа у античных авторов или его пере работку у поэта Анджело Полициано, работавшего при дворе.    Венера, стоя в раковине, плывет, подгоняемая Зефиром и Хлоридой, а навстречу ей идет Ора, одна из спутниц богини, которая держит покрывало, чтобы окутать ее. Трепещущие на ветру прихотливые складки покрывала и одежд, волны на море, изломанная линия берега, «гофрированная» створка раковины, наконец летящие волосы Венеры - все это оттеняет плавные очертания тела богини и усиливает то чувство высшей гармонии, которое вызывает ее облик. Над головой Венеры едва ли не смыкаются руки персонажей, и кажется, будто ее осеняет арка, которой вторит круглящийся низ раковины. Таким образом, фигура богини замыкается в воображаемый овал. Если в «Весне» композиция состоит из нескольких равноценных по смыслу групп, то здесь Венера - тот центр, к которому стремится все.    У ренессансных художников обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Ботти­челли наделил свою героиню тем целомудрием, которое почитается как высшая добродетель, отсюда и мотив поклонения, присутствующий в картине. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, и потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения.

« Портрет   неизвестного   с   медалью  Козимо Медичи Старшего»

  Представленная картина – уникальная по своему исполнению. Аналогичных работ эпохи Возрождения нет, и, скорее всего, это личная находка Сандро Боттичелли. Мы видим неизвестного юношу, который к груди прижимает внушительную медаль, изображающую профиль Козимо Медичи Старшего, основателя знаменитой европейской династии.    Однако при близком рассмотрении оригинала, можно заметить, что медаль изображена очень необычно. В доске, на которой изображён юноша, мастером была сделана круглая ниша, куда после была вставлена пастилья. Пастильей именуют особенную технику лепного рельефа, придуманную итальянцами. В этой технике была выполнена медаль из гипса, полностью повторяющая оригинал, и затем покрыта золотой краской. Только после этого она заняла место в композиции картины.

   Изображение юноши также весьма необычно для периода Кватроченто. До Боттичелли портретируемого изображали в профиль, какой бы то ни было фон отсутствовал, чтобы не отвлекать от героя работы. Боттичелли и сам написал немало подобных портретов. Но здесь живописец позволил себе эксперимент. Он развернул героя картины фактически в анфас, а также добавил фон – зелёный пасторальный пейзаж.    Кого конкретно изобразил мастер, и кто являлся заказчиком портрета – ответы на эти вопросы до сих пор не найдены. Высказываются гипотезы, что на картине изображён сам художник, так как есть внешние сходства с героем картины  «Поклонение волхвов» , а нам доподлинно известно, что там автор изобразил себя. Также есть версии, что раз на работе присутствует медаль, то и модель на картине имеет отношение к ней.   

Дама с горностаем - Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи (15 апреля 1452 год – 2 мая 1519 год) –  был знаменитым итальянским архитектором эпохи Возрождения, музыкантом, изобретателем, инженером, скульптором и гениальный художником . Он был описан как архетип «человека эпохи Возрождения» и универсального гения. Леонардо широко известен своими уникальными картинами, такими как, «Мона Лиза» и «Тайная вечеря». Он также знаменит за свои многочисленные изобретения.

Эта картина – один из четырех известных женских портретов, принадлежащих кисти Леонардо. Предположительно, на картине изображена одна из любовниц герцога Сфорца Чечилия Галлерани, но точных документальных подтверждений этому факту нет.   

Эта картина относится к числу самых красивых женских портретов. Характерный для Леонардо поворот головы в три четверти позволяет зрителям любоваться исключительной красотой лица дамы. Она одета по моде, принятой в то время – чепец из прозрачной ткани по лбу подхвачен особым украшением – ферроньерой, темные волосы пропущены под подбородком, гладко зачесаны и создают своеобразную рамку для нежного лица с мягкими чертами. На даме модное платье с крупным квадратным декольте и разрезными многослойными рукавами. Шею и красивую плавную линию плеч украшает двойная нитка черного жемчуга. Особенностью портрета можно считать изображение рук. Руки Чечилии поражают своей тонкостью и изяществом. Жест, которым она прикасается к шубке зверька, утонченный и необыкновенно чувственный. Животное от удовольствия от прикосновений хозяйки, как домашняя кошка, перебирает лапками и выпускает острые коготки.    Необычна и композиция картины. Поворот головы и направление взглядов и женщины, и животного дают возможность представить, что в момент создания картины их внимание было отвлечено чем-то, находящимся сбоку от них.    Колористика картины богатая и благородно сдержанная

.