13
Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования
«Котовская детская школа искусств»
Статья
«Полифункциональность музыкального искусства»
Составитель:
Прокофьева Нонна Ивановна
Преподаватель, концертмейстер
МБУ ДО «Котовская детская школа искусств»
Определить, что представляет собой музыка как вид искусства можно разными путями. Один из возможных путей – последовательное сравнение музыки с другими видами искусства: живописью, скульптурой, архитектурой, танцем, литературой, театром, кино. В сравнении познается и общее, и особенное. В этом случае можно прийти к постижению того, что роднит музыку с другими искусствами и что отличает ее от них.
Но возможен и другой путь, как бы «изнутри», на основе изучения внутренней природы самого музыкального искусства.
Попробуем рассмотреть данную проблему с точки зрения полифункциональности музыкального искусства. Искусство, как известно, вторгается в нашу жизнь с первых дней появления на свет: оно приходит к нам с колыбельной песней, с игрушками, дающими первые наглядные представления о реальном мире, с живописью в виде простейших рисунков, с поэзией и сказками. В школьные годы происходит более конкретное приобщение к литературе, музыке, театру и кино. Так, постепенно в процессе всей жизни человек получает представление о различных видах искусства, которые, безусловно, формируют и воспитывают его эстетические чувства и вкусы. Как известно, искусство является отражением реальной действительности, а музыка, как вид искусства, отражает эту действительность эмоционально, через звуки особого рода, в основе которых лежат обобщенные интонации человеческой речи. Содержание музыкального произведения – это единство объективного и субъективного. Объективно существует реальная действительность, которая пропущена через индивидуальное мировоззрение композитора. Субъективны способ ее отражения и оценка автором данного произведения.
Музыкальное искусство полифункционально, и сейчас мы выделим основные функции музыкального искусства, способствующие развитию творческой личности.
1.Познавательно-эвристическая функция искусства.
Эта функция рассматривает искусство как знание и просвещение. Мы знакомимся с генезисом музыкального искусства, основными средствами выразительности, содержанием музыкальных произведений. Такая просвещенность позволяет лучше понимать музыкальный язык произведения, глубже проникать в его идейное содержание.
Генезис музыкального искусства. Известно, что искусство возникло в глубокой древности. Мышление, сознание, потребность во взаимном общении в процессе трудовой деятельности привели к возникновению членораздельной звуковой речи. Звуковой язык способствовал развитию гортани и органов слуха. Но одних слуховых данных было недостаточно, чтобы создавать музыку. Требовались еще воображение и фантазия. Человеческий голос, чтобы петь, пусть даже грубо и односложно, должен выражать чувства посредством интонирования. Именно интонация придает речи особую образность и выразительность. Первые интонации появились в трудовой деятельности: вздох – у дровосека, восклицание по поводу пойманной дичи у охотника или рыболова, имитация крика зверей, свиста и щелканья птиц. Накопление звуковых понятий расширяло человеческую фантазию и голосовые возможности, составляло предысторию первобытной песни. Но песня не могла появиться на базе обычного звука или натурального шума. Музыкальное звучание должно обладать: 1) точной высотностью; 2) ритмической организацией. Кстати, первые представления о такте и ритме возникли также в процессе труда. Здесь зародились и первобытные музыкальные инструменты: колотушки, погремушки, трубы-раковины, флейты из костей и рогов животных, музыкальный лук. Естественно, что первые песни труда и быта были скудны и несовершенны, в них доминировала ритмическая сторона, сопровождающая трудовую деятельность. И все же создание примитивного песнетворчества было великим приобретением человечества, его культуры, разума, художественной фантазии.
Основные средства музыкальной выразительности.
Когда мы слушаем музыку, то обычно не разделяем ее на составные элементы, а воспринимаем целостно. Но звеньями одной цепи являются мелодия, ритм, гармония, регистр, тембр.
Любая музыка основана на мелодии. Мелодия – это душа музыки, основной носитель музыкальной идеи. Музыка без мелодии напоминает живопись без рисунка. Эстетическая оценка любой музыки начинается с оценки ее мелодии: какая она? Богатая, развитая или простая, примитивная? По мере исторического развития представления людей о мелодии, напевности менялись. В 18 веке в классической музыке господствовали простые, примитивные мелодии в виде изящных закругленных оборотов. Например, творчество венских классиков Гайдна, Глюка, Моцарта, Бетховена и т. д. (В качестве примера послушаем Немецкий танец Бетховена).
18 век уступает место более изощренным, хроматизированным темам 19 века – века романтизма. В этот период появляется мелодизм двух видов: развернутые кантиленные мелодии Шопена, Шуберта, Листа с одной стороны и короткие мелодии-зерна в творчестве Вагнера (система лейтмотивности), Р. Штрауса, Чайковского с другой стороны. ( Ф. Лист «Долина Обермана», П. Чайковский ария Графини из оперы «Пиковая дама»).
На рубеже 20 века композиторы-импрессионисты использовали мелодию, напоминающую красочные мазки на полотнах живописцев: мелодия стала изощренной, передавала тончайшие оттенки человеческой психики.
(Пример, К. Дебюсси «Бергамасскмя сюита»).
Представители «авангарда» сознательно отказывались от ясной выразительной мелодии, заменяя ее надуманной геометрической комбинацией.
(А. Лурье «Упман»).
Иногда автор сознательно подчеркивает в мелодии черты бездушия и механизма. Например, тема «нашествия» из 7-й симфонии Д. Шостаковича.
Заслуга композиторов 20-го века в том, что они сумели отстоять приоритет мелоса, создать свежие возвышенные образцы. Таковы темы М. Равеля, С. Рахманинова, С. Прокофьева, Г. Свиридова. (Э. Морикконе «Чи Май»).
Неисчерпаемой сокровищницей многих мелодий является народный фольклор, многие народные песни. Истоки народной музыки восходят к далеким языческим временам. Затем народная музыка была приспособлена новой религией – христианством – к разным обычаям и праздникам. Так песни и пляски языческого праздника зимнего солнцестояния превратились в рождественский фольклор, а народная музыка, связанная с праздником весеннего равноденствия, стала пасхальной. Очень часто выразительные мелодии и ритмы народной музыки «подпитывали» творчество великих композиторов. И. С. Бах, создавший 150 хоралов, часто обращался к народным немецким мелодиям и клал их в основу многих хоралов. Венский классик Гайдн был одним из первых, кто охотно обращался к народно-песенным источникам. В его творчестве слышны мелодии австрийской, венгерской, хорватской музыки. В праздничные дни крестьяне надевали свои национальные разноцветные костюмы, заводили веселые хороводы и песни. Й. Гайдн очень любил участвовать в таких народных праздненствах. (Пример, «Венгерское рондо»). Л. В. Бетховен в зрелый период творчества создал обработки народных песен: шотландских, ирландских, валлийских. Представитель романтической школы Ф. Шуберт написал свыше 600 песен! Секрет их простоты и доступности в родстве с австрийской народной песней. («Форель»). Польский композитор Ф. Шопен сочинял почти исключительно для ф-но. Но как ярка и национальна его музыка! Взять хотя бы мазурки, в которых композитор объединил черты трех народных танцев: мазура, куявека, оберека. Мазурки Шопена напоминают веселые деревенские танцы, сам Шопен назвал их «образки», что означает «картинки».
Колоритная музыка Испании привлекала многих композиторов: Альбениса, Гранадоса, Мануэля де Фалья, Глинку, Римского-Корсакова, Бизе.
Особая страница музыкального искусства – русский фольклор. Уже в мелодиях древних русских песнопений слышны живые человеческие интонации: скорбь и ликование: раздумье о жизни и смерти. Так и хочется вспомнить слова М. И. Глинки: «Музыку создает народ, а мы, композиторы, только аранжируем ее»… Песенная культура славян представлена огромным многообразием: календарные, былинные, протяжные, хороводные, свадебные, солдатские песни и т. д. Русский фольклор был настоящей энциклопедией для многих русских композиторов, направлял их творчество. Например, оперы «Садко», Снегурочка» Римского-Корсакова, «Хованщина», «Борис Годунов» Мусоргского, кантата «Александр Невский» Прокофьева. Примеров существует множество.
Важной особенностью многих мелодий является их национальная самобытность. Часто, даже не зная конкретного произведения, можно без труда определить его национальную принадлежность по типу мелодических оборотов, присущих данному народу. Например, Ф. Лист Венгерская рапсодия номер два: основной мотив выдержан в стиле «вербункош», Д. Гершвин «Рапсодия в стиле блюз».
Итак, мелодия является основой музыки, основным средством музыкальной выразительности.
И все же музыку нельзя сводить только к одной мелодии. Выразительность мелодии становится ярче, когда к ней добавляется ритм, гармония, тембр, регистр. Представим увертюру к опере «Руслан и Людмила», исполненную на ф-но только правой рукой. Конечно же, это было бы скудно и бедно по сравнению с оркестровым звучанием.
Вторым средством выразительности является ритм. Ритм – это организация звуков во времени, равномерное чередование сильных и слабых долей. Ритм существует не только в музыке, но и в природе (капли дождя), в быту (бой часов). Ритмическая четкость составляет особенность маршевой музыки, облегчает стройный шаг людей. Стоит изменить первоначальный ритм, как существенно меняется характер музыки. Этой чудодейственной возможностью ритма пользовались композиторы с целью развития музыкальных мыслей. Например, Ф. Лист «Прелюды». В некоторых произведениях ритм имеет доминирующую роль (Л. В. Бетховен 5-я симфония, тема судьбы). Часто ритм помогает создать нужный образ и настроение (С. Прокофьев «Сказочка»). Благодаря ритму мы можем отличить марш от вальса, мазурку от польки. Характерные ритмические формулы часто сохраняются на протяжении всего произведения. Многие композиторы нарочито выпячивают ритмическую сторону на первый план. Например, композиторы-экспрессионисты стремятся таким образом передать состояние ужаса и истерической взвинченности. У многих народов востока – в Китае, Индии широко используются ударные инструменты в качестве ритмического сопровождения к танцам. Но ритмические наигрыши, обладая виртуозным блеском, все же не имеют подлинной красочности образа, так как в них отсутствует мелодия, и все как бы звучит на одной ноте.
Третьим средством выразительности является гармония. Гармония в переводе означает «созвучие». Несколько аккордов либо созвучий образуют гармоническую цепочку. Р. Шуман сравнивал музыку с шахматами: мелодия – это король, из-за которого ведется игра, а гармония – это ферзь, одна из сильных фигур. Гармония окрашивает мелодию в различные эмоциональные тона, углубляет ее поэтическое содержание. Известны наиболее распространенные виды гармонии – мажор и минор. Представления о гармонии в разные века было неодинаковым. Для музыки 17-18 веков типичны ясные закругленные обороты (венские классики), в произведениях использовались менуэтные ритмы, ярко выраженные кадансы (В. А. Моцарт Фантазия ре-минор). Старинные гармонии 17-18 веков воспринимались как очаровательное детство музыки. 19 век принес пышные многозвучные аккорды и новые лады. Например, Лист Рапсодия номер 15, «Долина Обермана», С.Рахманинов 3 концерт. Музыка 20 века обращена к миру жестоких бесчеловечных образов, рожденных социальными катаклизмами – «колючие созвучия» Прокофьева и Шостаковича. Часто диссонанс помогает композитору достичь определенных художественных эффектов. Чайковский писал: «Диссонанс – есть величайшая сила музыки, без него она бы была обречена на вечное блаженство, а ведь есть еще наши страсти, наши муки». В модернистской музыке 20 века гармония подвергалась усложнениям, доходящим до абсурда. В результате музыка превращалась в хаос, напоминая о распаде человеческого сознания. (Берг опера «Воццек»).
Особые ладогармонические средства характерны для разных национальных культур. Мусоргский Прогулка – чисто русская тема, знаменный распев, а основная тема 2-ой рапсодии Листа - образец венгерской культуры. В музыке для создания образов сказочного характера применяются особые ладогармонические средства. Например, Мусоргский «Баба Яга» - вариант использования увеличенных ладов и гармоний. Талантливые композиторы всегда стремились к логичности и ясности гармонии в сочетании с естественной мелодией.
Еще одним средством музыкальной выразительности является тембр. Тембр – это качественная сторона звука, его окраска. Как красочна палитра симфонического оркестра и человеческих голосов. Но данный тембр является обязательной принадлежностью конкретного музыкального образа. Невозможно представить арию Мефистофеля, исполненную колоратурным сопрано – это вызвало бы комический эффект. В произведении С. Прокофьева «Петя и волк» представляется возможность познакомиться с разными инструментами симфонического оркестра. Подобно мелодии или гармонии сфера оркестровки заметно эволюционировала: давно ушли в прошлое скромные партитуры венских классиков, где использовались главным образом струнные инструменты. На протяжении 19 века оркестр заметно разрастался – усилилась функция духовых, рождались сложные тембровые комбинации. К началу 20 века состав оркестра у многих мастеров достиг грандиозных масштабов. Например, 8-я симфония Малера написана для гигантского оркестра и нескольких хоровых групп. Она называлась симфонией для 1000 участников. Но затем наступило пресыщение супероркестром и снова появились камерные составы из 12-15 музыкантов. 20 век внес новые новшества в область музыкальных тембров, появились электронные инструменты «волны Мартено» (у Онеггера и Мессиана), в легкой музыке использовались электрогитары, электроорган, синтезаторы, радиоусилители. Можно по-разному относиться к такой музыке – это дело вкуса. Много интересных комбинаций применяли композиторы в кино. Прокофьев во время записи музыки к фильму «Александр Невский» то удалял, то приближал отдельные инструменты к звукозаписывающему аппарату. Но никакие тембровые новшества электронного происхождения не заменят слушания симфонической или вокальной музыки, живого исполнения и восприятия волшебных звуков. Многие тембры связаны с определенной жизненной ситуацией: фанфарное звучание труб, тромбонов напоминает о боевых сигналах, о военном оркестре, звук валторны – об охотничьем роге, гобой – о пастушьем рожке. Музыкальный тембр может участвовать в создании различных образов. Скрипки, например, очень хорошо звучат при исполнении широких, лирических тем, свойственных Чайковскому, Рахманинову, но также хорошо они могут вести и мелодию бодрой, задорной темы, а в «Карнавале животных» Сен-Санса даже изображают ослиный крик. Тембровое обновление может стать главным приемом в композиции произведения. Например, «Болеро» Равеля. Немало произведений, в которых композитор ограничивается лишь одним тембром звучания, например, произведения для ф-но, для хора а капелла.
Последним средством музыкальной выразительности является регистр. Регистры бывают: высокий, средний и низкий. Наиболее распространен средний регистр, в нем мы поем песни, романсы, исполняем пьесы. Для звукоизобразительных эффектов используются низкий регистр и высокий регистр. Например, Мусоргский «Быдло» и «Балет невылупившихся птенцов». Иногда композиторы используют оба регистра одновременно. Римский-Корсаков опера «Снегурочка» - тема светлячков.
Итак, у подлинно великих композиторов все средства выразительности даны в стройном единстве и подчинены единой задаче – передать убедительно и правдиво реальный жизненный образ.
В эврико-познавательную функцию искусства входит и содержательный аспект. Подобно живописи или поэзии, музыка помогает человеку увидеть и понять богатый и многообразный мир, она может поведать о правдивых и фантастических событиях, нарисовать картину природы, передать движение поезда или веселый шум толпы. Содержание музыки обширно:
1. немало произведений посвящено событиям исторического прошлого: борьбе с врагами, отражению исторически знаменательных событий. Например, опера «Иван Сусанин» М. И. Глинки, опера «Война и мир» С. С. Прокофьева, увертюра П. И. Чайковского «1812 год»;
2. картины народного быта показаны в операх Римского-Корсакова «Снегурочка», «Садко»; повседневную жизнь людей, их труд и отдых показал Глинка в фантазии для оркестра «Камаринская»;
3. большое место в музыке занимают образы природы, звуковые картины можно сравнить с пейзажами живописцев. Например, Мусоргский опера «Хованщина» - вступление «Рассвет на Москве реке», Григ «Утро» из сюиты «Пер Гюнт»;
4. неисчерпаемым источником вдохновения для композиторов всегда были произведения литературы. Многие оперы и симфонии, романсы и песни заимствуют свое содержание из произведений Пушкина (Чайковский «Пиковая дама», Глинка «Руслан и Людмила», Мусоргский «Борис Годунов»). К творчеству Лермонтова обращался Хачатурян, Рахманинов. К Гоголю прибегал Римский-Корсаков в опере «Майская ночь», Мусоргский в опере «Сорочинская ярмарка» и другие;
5. народные сказки и предания также часто используются в содержании музыкальных произведений (Лядов «Кикимора», Мусоргский «Баба Яга», Римский-Корсаков «Кащей бессмертный»);
Итак, обширная содержательность музыкального искусства позволяет личности теснее соприкоснуться с окружающим миром, повысить свой творческий уровень. И в отличие от других видов искусства музыка раскрывает свое содержание музыкальным языком.
Второй функцией искусства является коммуникативная функция. Она предстает как сообщение и общение. Действительность – творец – произведение – исполнитель - реципиент – действительность. На концах этой цепочки, как видно, реальность. Эту реальность воспринимает композитор, на нее воздействует публика. Так осуществляется творческая коммуникация. Чтобы понять, как влияет музыкальное произведение на развитие творческой личности, выделим многообразие музыкальных жанров.
Велико и сложно звуковое хозяйство: от скромного человеческого голоса до мощного хора или гигантского оркестра. Композитор для воплощения творческой идеи обращается к различным жанрам. Музыкальные жанры разнообразны: вокальные (песня, романс, кантата, оратория); инструментальные (симфония, соната, сюита, этюд, прелюдия). Существуют и сложные синтетические жанры. Это опера, балет, оперетта, мюзикл. В них музыка сочетается с танцем, словом, театральным действием. Все жанры неравноценны по степени трудности и воспринимаются по-разному. Это зависит от интеллекта, образования, воспитания, но в любом случае воздействие музыки на личность обеспечивает ее творческое продвижение. Проследим воздействие разных жанров. Многие считают, что вокальная музыка, особенно песня, близка и понятнее инструментальной музыки. Это преимущество выражается:1) в звучании выразительного голоса; 2) в сочетании с поэтическим словом, которое дает чудесный сплав и удваивает силу воздействия. Немало образцов слияния музыки и поэзии заключено в лучших романсах Глинки, Шуберта, Шумана, Чайковского. Некоторые считают, что содержание вокального произведения сосредоточено в словесном тексте: достаточно заучить слова, а мотив сам придет. Вспомним «Войну и мир» Толстого, дядюшка Наташи Ростовой был убежден в том, что все значение в песне заключено в словах. Это ошибочное мнение, так как музыка в песне выражает намного больше, чем слово. Есть примеры, когда на прекрасные стихи пишется посредственная музыка, и тогда. Как правило, удачной арии или романса не получается. И наоборот, возникают шедевры: романсы Чайковского на слабые стихи Ратгауза или Романова. («Растворил я окно» Чайковского на стихи великого князя Романова). Иногда при абсолютном совпадении поэтического текста, можно получить разные музыкальные решения. «Не пой, красавица, при мне» - этот образец на стихи Пушкина был воплощен в романс на музыку Глинки, Балакирева и Рахманинова. Три романса – три различных музыкальных образа. У Глинки тон светлый, безмятежный, в основе лежит простая грузинская мелодия. Через 35 лет Балакирев прочел эти стихи по-другому: в музыке ярче показан национальный колорит, мелодия узорчатая, ритм напоминает наигрыш восточного ударного инструмента. Спустя еще 30 лет Рахманинов написал романс, в котором преобладает драматическое содержание, настроение невыразимой печали. Итак, если музыка, верно отражает идею стиха, то это критерий высокого качества произведения.
Существуют разные виды вокальной музыки.
Плавная кантилена, основанная на широком мелодическом дыхании. Например, «Жаворонок» Глинки, «Серенада» Шуберта, «Дороги» Новикова.
Речитатив, как манера пения, близкая к живой разговорной речи. К речитации обращались на Западе Глюк, Верди, Пуччини, Вагнер. А в России – Мусоргский, Даргомыжский, Прокофьев, Шостакович. Речитатив не всегда ласкает слух как кантилена, но он способен передать тончайшие детали человеческих переживаний.
Примеры кантилены: песня-романс Антониды из оперы «Иван Сусанин» Глинки; а речитатива – речитатив Сусанина из оперы Глинки «Иван Сусанин».
Часто в вокальной музыке раскрытию образа помогает аккомпанемент: слово- мелодия- аккомпанемент создают тройственный союз. Например, «Форель» Шуберта, «Маргарита за прялкой».
Наиболее богатой формой музыкального искусства является опера. В ней сочетаются театральное действие, слово, танец, декорации, пение солистов и хора с звучанием симфонического оркестра. Опера существует более 400 лет. Первая опера «Дафна» была написана в 1594 году. Ранние оперы называли «драмы на музыке». Это были пышные музыкальные представления на древнегреческие сюжеты. Оперы представлялись в узком кружке итальянских аристократов во Флоренции, и круг слушателей был с начала крайне узок. Но уже в 17-18 веках появилась плеяда талантливых композиторов: Монтеверди, Люли, Перселл. Постепенно опера стала доступным жанром, наряду с оперой-сериа появилась опера-буфф, изображающая бытовые сценки из реальной жизни. Образцы такого жанра писали Моцарт, Перголези, Россини, Доницетти. В 19 веке опера достигла непревзойденных вершин: «Кармен», «Отелло», «Пиковая дама». Следует помнить, что при всей синтетичности жанра, опера, прежде всего, произведение музыкальное. «Тот, кто следит за оперой с литературным интересом, рискует пропустить самое лучшее – музыку» (Э. Григ). Знаменитую арию Ленского невозможно представить без музыки Чайковского. Именно музыка усиливает настроение пушкинского стиха, словно под увеличительным стеклом, раскрывает душевный мир Ленского.
Любимым жанром является и оперетта, где музыкальные эпизоды чередуются с разговорными диалогами. И пусть оперетта представляет более легкий жанр, именно благодаря яркой музыке мы восхищаемся «Сильвой», «Цыганским бароном», «Трембитой»…
К нетеатральным синтетическим жанрам относятся оратория и кантата. Существенно эти жанры не отличаются. По своему построению – это многочастные циклические сочинения, состоящие из арий, речитативов, ансамблей. Жанр кантаты – пьесы для пения – предназначался для прославления какого-либо знаменательного события. Как правило, в кантате сохраняется одно настроение. В оратории все эпизоды объединены драматически напряженным сюжетом, отсюда смена характера музыки. Кантаты и оратории писали в 17-18 веках. С начала их сюжеты были связаны с Библией и Евангелием. Высшие достижения в жанре принадлежат Генделю. Его сочинения: «Мессия», «Самсон», «Иуда Маккавей» привлекают мощным героико-эпическим складом, богатством хорового письма. В начале 18 века И. С. Бах писал оратории религиозного содержания: «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею». Эти сочинения поражают философским размахом и величием. В 19-20 веках жанры кантаты и оратории отходят от церкви, сюжеты берутся из истории, древнего эпоса. Например, Онеггер «Жанна д Арк», Бриттен «Военный Реквием», Прокофьев «Александр Невский», Свиридов «Патетическая оратория».
Примером художественного синтеза является балет. В нем сливаются сольные и коллективные танцы, симфоническая музыка и декоративное оформление. В 19 веке созданы классические балеты, в которых выражены глубокие человеческие страсти. Это шедевры – «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик». Жанр балета прошел долгий путь поисков. Само слово возникло в Италии в 16 веке и относилось к придворным театральным представлениям. Особенно прославился французский придворный балет с пышным зрелищем. В этих балетах душевный мир человека не был показан. На протяжении трех веков деятели искусств стремились осуществить реформу балета. В подготовке этой реформы принимали участие многие русские аристократы и композиторы. В 1836 году появилась опера «Иван Сусанин», в ней балетная реформа приблизилась к своему осуществлению: танцевальные сцены предназначены не для развлечения, а для больших жизненных обобщений. В начале 20 века жанр балета испытал неслыханный подъем благодаря искусству русских хореографов, танцоров, композиторов, объединенных волей Дягилева. «Жар-птица» Стравинского, «Петрушка», «Весна священная» того же композитора, «Война и мир» Прокофьева, «Спартак», «Гаянэ» Хачптуряна, «Красный мак» Глиэра.
Обратимся теперь к музыке инструментальной, бестекстовой. Многим слушателям такая музыка кажется особенно трудной для восприятия. Самый богатый и многокрасочный вид инструментальной музыки – симфоническая. Жанры такой музыки различны: симфония, увертюра, симфоническая поэма, инструментальный концерт. Симфония (от греческого – «созвучие») многочастное произведение. Часто 4 части симфонии выражают контрасты жизненных состояний: 1 часть – драматическая борьба; 2 часть – возвышенное созерцание; 3 часть – скерцо или менуэт; 4 часть – финал, торжественный, народно-плясовой. Симфонию часто сравнивают с романом в литературе. Вершины симфонического жанра – сочинения Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Шумана, Брамса, Чайковского. Для Малера написать симфонию, значит построить целый мир. Жанр симфонии прошел длительный путь развития, начиная с Гайдна. Если «венские классики» предпочитали произведения «чистой музыки» без конкретных обозначений, то романтики развивали именно программную музыку. Круг образов симфоний разнообразен: героические, картинно-описательные, психологически-углубленные. Симфонизм Бетховена особый: он заряжает героикой. В момент гибели «Титаника» музыканты играли 3-ю симфонию Бетховена и уходили из жизни с возвышенным спокойствием.
Восприятие инструментальной музыки облегчается в тех случаях, когда композитор использует литературную программу. Например, увертюры Бетховена «Эгмонт», «Кориолан», 6-я Пасторальная симфония, «Зимние грезы» Чайковского. Малер сравнивал словесные обозначения с дорожными знаками, помогающими слушателю. Различные композиторы по-разному решали проблему программности. Берлиоз использовал детализированную программность, а Лист, наоборот, философски обобщенную. В этом случае слушатель дорисовывал необходимые сюжетные подробности. Наиболее трудной для восприятия считается непрограммная инструментальная музыка. Часто слушатель, вместо того, чтобы воспринимать музыку во всем богатстве обобщений, разгадывает отдельные сюжетные подробности. «Камаринская» - загулявший мужичок, стучащийся в дверь; «Скерцо номер 1» Шопена – «Адское пиршество»; ноктюрны Шопена – «вздохи», «Журчание Сены». Композиторы осуждали такие свободные трактовки.
Огромная сила воздействия классической музыки – в использовании типичных интонаций и оборотов, почерпнутых из народного творчества. В симфониях Бетховена и Чайковского слышны отголоски мелодий и ритмов народных песен, маршей, танцев. Народные интонации отшлифованы рукой мастера и переплавлены в обобщенные темы-образы. Эти образы вызывают конкретные жизненные представления. Например, Рахманинов Прелюдия до-диез минор – это тревожные удары колокола, «Патетическая соната» Бетховена – вздымающиеся волны. Ни одно из названных произведений не опирается на литературную программу, но образное содержание их доходит до сердец слушателей, захватывает и волнует их.
Третья функция искусства – воспитательная. Она формирует строй мыслей и чувств личности, часто выступая в катарсическом аспекте. Пифагорейцы говорили, что музыка очищает человека. Аристотель разработал и ввел в эстетику категорию катарсиса – очищения посредством чувств. Здесь большая роль отводится духовной музыке в культурном продвижении личности. Духовная музыка является частью духовной культуры общества. В наше время обращение к этому разделу музыки является особенно актуальным. В музыкознании духовной называют музыку, сопровождающую церковное богослужение. Уже на первых порах становления музыкального профессионализма именно духовная музыка оказала огромное влияние на всю мировую культуру и искусство. При всех различиях православной и католической музыки явно прослеживается ее позитивное влияние на развитие личности. Древнейшей формой церковного пения на Руси был знаменный распев. Он привлекал многих русских композиторов: Мусоргского, Рахманинова, Танеева, Чайковского. Искусство древних звонарей нашло достойное продолжение в операх Римского-Корсакова, Мусоргского, Слонимского. Обращение к образу Девы Марии вызвало к жизни замечательные образцы классической музыки: Каччини, Шуберт, Гуно, Бах. Слушая эти произведения, словно возносишься ввысь, нравственно очищаясь.
Воспитательная функция искусства проявляется и музыкально-исполнительской и просветительской деятельности. Трудно представить звучащую музыку без исполнителей, без исполнительского стиля. Известны замечательные традиции русского исполнительства в пении, опере, балете, инструментальной музыке. Обязанность исполнителя - полноценно донести до слушателя музыку. Он вносит в замысел свое Я, он творит, но не выходит за пределы автора. Лишь благодаря высоким качествам искусства исполнения, музыка становится достоянием многих людей, творчески воспитывает их. Позитивное эстетическое направление в школах имеет работа музыкального лектория. Пропаганда классической и современной музыки является важным условием развития творческой личности, пробуждает в человеке чувство прекрасного.
Четвертая функция искусства – внушающая. Она позволяет увидеть в искусстве некую суггестию. Суггестия была присуща уже первобытному искусству. Австралийские племена в ночь перед битвой вызывали в себе прилив мужества песнями и танцами. Древнегреческое предание повествует: спартанцы, обессиленные долгой войной, обратились за помощью к афинянам, те в насмешку послали вместо воинов хромого и хилого музыканта Тиртея. Это и была действенная помощь: Тиртей своими песнями поднял боевой дух спартанцев, и они победили врага. Очевидно гипнотическое воздействие на слушателя фольклорных заговоров, заклананий, плачей. В напряженные часы жизни народа внушающая функции обретает особый смысл. Один из первых исполнителей 7 симфонии Шостаковича - Кусевицкий - заметил, что со времен Бетховена еще не было композитора, который мог бы с такой силой внушения разговаривать с народом. Слушая симфонию Шостаковича, ощущаешь огромную силу внушения. Установка на внушение присуща и лирике этого периода. Таково стихотворение Симонова «Жди меня». В 12 строках 8 раз повторяется слово «жди». Все смысловое значение этого повтора формулируется в финале стихотворения. Суггестивная функция искусства близка воспитательной, но не всегда совпадает с ней. В напряженные периоды истории суггестивная функция играет большую, иногда даже ведущую роль.
Последние две функции: эстетическая и гедонистическая близки между собой. Эстетическая функция формирует творческий дух личности, пробуждает в человеке художника, расширяет его фантазию, желание и умение творить по законам красоты. Эта функция обеспечивает социально-творческую активность личности. Она пронизывает все другие функции музыкального искусства. Гедонистическая функция рассматривает искусство как наслаждение. Наслаждаясь произведениями различных композиторов, мы чувствуем многообразие стилей и эпох, расширяем свой кругозор, оттачиваем художественный вкус. Гедонистическмя функция позволяет выбрать свое творческое предпочтение, свой ориентир: у кого-то это классика, у кого-то рок или джаз.
Итак, искусство полифункционально: оно познает, воспитывает, оказывает суггестивное и гедонистическое воздействие. Но во всей многофункциональности искусства прослеживается конкретная цель – целостное развитие творческой личности.
Литература
Алеев ВШ4 Науменко Т.И. Интегрированные уроки искусства. - М. Про-trt свещение, 1995.-75с.
Аминов Н. Искусство в школе или школа искусств? // Искусство в школе. -1993.-№5.-С.18-20.
Апраксина О.А. Методика музыкального воспитания. М.: Просвещение, 1983.-C.123.
Ананьев Б.Г. Психология чувственного познания. АПН РСФСР. М.: 1960. - 86.
Ванслов В.В. Всестороннее развитие личности и виды искусства. - М.: Сов. художник, 1966. - 78.
Галеев Б.М. Человек, искусство, техника: Проблема синестезии в искусстве. - Казань, 1987. - 243с.
29. Глазырина Я.Ю. Ребенок и музыка: опыт диалога// Уральский гос. пед. ун-т. Екатеринбург, 1995. - 204с.
Горюнова Л., Маслова Л. Урок музыки - урок искусства: Книга для учителя. - М.: Прометей, 1989. - 81.
Еремеев А.Ф. Эстетическая культура и эстетическое воспитание. - М.: 1983.- 171с.
Каган М.С. Музыка в мире искусств. - СПб., 1996. - 351.
Каган М.С. Социальные функции искусства. Л., 1978. - 183.
Коротеева Е. Связь музыки и живописи в развитие художественно- образного мышления школьников // Искусство в школе. - 1996. - №1. -С.35-3.
843
57 368 
