Основные законы и принципы композиции танца

Основные законы и принципы композиции танца

В целом композиция в искусстве выражает художественную идею и организует эстетическое восприятие, таким образом, что оно движется от одного компонента к другому, от «части» к целому. «Компонент» – с латинского языка – составная часть чего-либо. Создание хореографического произведения начинается с рождения замысла. Замысел обязательно должен включать в себя тему и идею будущего произведения. Возникший замысел воплощается в программе. Программа является первым звеном в цепи творческих процессов, предшествующих появлению нового хореографического произведения. Программа содержит подробное изложение сюжета, последовательное описание событий спектакля с указанием времени, места действия и социальной среды, развёрнутую характеристику основных образов, чёткого обозначения основного конфликта и расстановку борющихся сил. Непременное условие создания программы – владение законами драматургического построения действия, ясное и чёткое определение основных пунктов его развития. Приступая к разработке программы, балетмейстер, прежде всего, определяет жанр, в котором она будет решаться. В искусстве существуют различные жанры: трагический, героический, сатирический, комедийный, комический, драматический, лирический, сказочный и другие. Замысел определяет форму танца. Форма – это способ раскрытия содержания. К общим формам относятся сольные и массовые танцы. Формы классического танца: па-де-де, па-де-труа, адажио, вариация и т.д. Формы народного танца: хоровод, пляска, кадриль. Формы историко-бытового танца – гавот, менуэт. Формы бального танца – стандарт и латина. Нужно выбрать такую форму, которая

соответствовала бы замыслу и давала широкие возможности для выражения идеи задуманного номера. Выяснив все эти моменты, можно приступать к сочинению действия танца, его драматургии: экспозиции, завязки, развития действия, кульминации и развязки. Под композицией в хореографическом искусстве мы понимаем:

- сочинение короткого элемента танца, движения;

- сочинение композиции, как части танцевального номера;

- сочинение соло, вариации танцевального куска;

- сочинение законченного танцевального этюда;

- сочинение законченного танцевального номера с законченной драматургией.

Необходимыми компонентами композиции танца являются:

1. Танцевальныйрисунок(расположениеиперемещениеисполнителей по сценической площадке). Требование к балетмейстеру: уметь сочинять, конструировать и выстраивать рисунок танца с учётом образа, зрительского восприятия и сценического пространства;

2. Хореографическая лексика (танцевальные движения). Требование к балетмейстеру: уметь сочинять, развивать и сочетать различные танцевальныедвижения(элементывединыйхореографическийтекст);

3. Характеры персонажей (манера исполнения).

Чтобы вызвать интерес зрителя, балетмейстер должен использовать различные приемы, позволяющие разнообразить танцы, делать их интереснее, привлекательнее: смена музыкального и танцевального темпа, смена рисунков танца, смена персонажей, действующих лиц, сопоставление контрастных частей танца, смена движений и их амплитуды и т.д. Единого метода в работе постановщика танца, балетмейстера не может быть, так как само творчество, мышление человека всегда индивидуально. Надо развивать свои природные качества, вырабатывать художественную систему, которая способствует улучшению хореографического мышления, чувства вкуса, стиля, а также фантазии.

«Композе» – составлять, сочинять. Законы, принципы, правила композиции возникли за все время существования искусства и сохранились неизменными в силу времени. Принципы: единства, целостности, подчинение второстепенного главному, соотношение формы и содержания.

Принцип единства выражается в согласованности отдельных частей композиции, в которой элементы формы определяются общим материалом. Нарушение приводит к эклектике, хотя она может быть избрана специфическим стилем, необходимым для раскрытия образа. Принцип целостности выведен Аристотелем в произведении «Поэтика», где все части произведения находятся в гармоническом сочетании. «Основной закон драматургии определяет взаимоотношения отдельных частей единого целого: начало или завязка действия; середина, содержащая «перипетию» (поворот в поведении героя), что есть кульминация; катастрофа или конец, развязка, ведущая к гибели или благополучию героя». В современное время закон драматургии, принцип целостности определяем следующим образом: экспозиция, завязка, развитие действия и вступление перед кульминацией, кульминация, развязка и финал. Все эти части должны быть в пропорции. Не допускаются длинноты, не развитие действия, отсутствие финала.

Принцип подчинения второстепенного главному – отбор элементов и выяснение ведущих и побочных деталей в композицию, в определенную суть замысла. Все детали располагаются в порядке подчинения главному. Умение выделять главное – цель творческой деятельности. Сосредоточенный взгляд на мирразвиваетспособность выделять главное в окружающей среде, лежащее внутри явления. Отбор – одна из главных задач постановщика. Отобрать музыку, сюжет, тему, костюмы, движения – это очень сложно. Но с этого и начинается сочинение. Пренебрежение этим принципом может привестикмеханическомукопированиюжизненныхфактов.Принцип соотношения формы и содержания определяется многообразными связями, указывающими на необходимость гармоничного единства формы и содержания, нарушение этого принципа разрушает образ композиции. Методологической основой принципа служит философия форм и содержания, единство противоположностей. Ведущее положение за содержанием, но оно появляется благодаря форме. Содержание – это окружающая нас действительность, это мысль, выражаемая пластикой человека. Выступает как результат в виде темы и идеи автора. Оно может быть выражено в различных формах. Форма – это комплекс движений, которые соединены в

единое целое. В то же время в одну и ту же форму нельзя вложить разное содержание. Форма создается каждый раз для конкретного содержания. Большое воздействие на композиционное построение оказывают исторические, географические и климатические условия времени постановки. Например, северные танцы отличаются от южных не только своим колоритом, характером, манерой исполнения, но и рисунком. Условия жизни, характер труда откладывают свой отпечаток на сценическую хореографию. Необходимо постоянно тренировать профессиональную способность во владении формой искусства. Форма определяется жанром – классическим, народным, бытовым и т.д. Рисунок или композиция танца и хореографический текст, музыка, костюм, декорация – эти стороны хореографической формы присутствуют всегда в совокупности.

Каждый вид искусства предлагает свои законы композиционного построения (живопись, музыка, балет). От эстетических взглядов художника, от его творческого созидания зависит композиционное построение, и все же в профессиональной хореографии должны присутствовать такие законы как:

I. Закон целостности. Благодаря ему, мы воспринимаем произведение хореографического искусства как единое целое. Этот закон учитывает все компоненты композиции, а также оформление, исполнение, т.е. все выразительные средства вместе. В соединение всех этих компонентов, важную роль играет чувство меры и вкуса, которыми должен обладать балетмейстер:

- единство оформления, т.е. костюм и одежда сцены;

- соответствие хореографического материала и возраста участников;

- единство балетмейстерской работы и исполнения (техника и выразительность, качество музыкального звучания и сценический вид).

II. Закон контраста. Контраст (с французского языка резкое выражение противоположности). Он является важной компонентной силой и с точки зрения построения, и с точки зрения творческого процесса создание хореографического образа. Закон контраста предусматривает резкую разницу и сочетание противоположности. Важно определить характер контраста в форме темпа ритма, рисунки,

лексики. Отсутствие длиннот, повторов, т.е. постоянное развитие.

II. Закон новизны (новаторство). При сочинении хореографической композиции всякий раз происходит эстетическое развитие и познание мира. Балетмейстер передаёт своё собственное эмоциональное ощущение, своё видение окружающей действительности, через хореографические образы. Новизна раскрытия темы, художественных средств, композиционного решения, есть необходимое условие жизненности, оригинальности авторства хореографического номера. И пытаться в полной мере раскрыть свои возможности творческого поиска новой единичной трактовки неповторимого хореографического образа.

III. Закон зрительского восприятия. Учёт зрительского восприятия важен. Ведь именно зритель в конечном итоге оценивает насколько удачно или неудачным оказалось композиционное решение видимого им танца, именно на зрителя балетмейстер и композитор создают свою танцевальную композицию. При сочинении нужно представлять себя в зрительном зале. Видеть сцену и слушать звук. Воспитывать взгляд со стороны на себя же. Когда балетмейстер слишком перегружает одну часть сцены, относительно средней линии у зрителя создаётся впечатление отталкивающего неравновесия. Рисунок хореографического произведения должен равномерно распределяться по сценической площадке, за исключением сознательного использования балетмейстером такого распределения. В силу условного рефлекса наши глаза оглядывают цену слева направо. Относительно этого композиция в левой части сцены означает предварительность, взгляд как бы гонит её в левую часть сцены, поэтому композиция в правой части тяготит к окончательности. Пространство левой стороны сцены как бы давит на расположенную справа композицию и тем делает её значимее, монументальнее. Движение человеческого глаза происходит быстрее слева направо и гораздо медленнее справа на лево, эти особенности восприятия нужно учитывать и использовать при создании хореографического образа, при выборе направления танцующих. От них зависит и динамика течения рисунков. Все, что находится слева от центра сцены, кажется ближе к зрителю, поэтому если нам нужно создать незаметное появление героя на сцене, то этого можно

достичь выходом из правой верхней кулисы. Изображение героя, группы исполнителей или просто начало движений привлекает наше внимание в зависимости от того, где в данный момент находится точка восприятия, т.е. то, что бросается в глаза. Умение правильно определить точку восприятия и логически переводить взгляд зрителя по сцене с одной точки к другой дает возможность правильного понимания развития танца и позволяет запомнить яркие, важные этапы драматургии. Это позволяет нам использовать прием фокуса (появление, исчезновение) и т.д. Заставлять зрителя смотреть туда, куда нужно балетмейстеру. Однако, часто случается обратное, например, мы не видим, что делают солисты, хотя они являются главными носителями содержания, так как им мешает кордебалет, или, наоборот, кордебалет на заднем плане выполняет сложные, интересные комбинации, но зритель не может этого оценить, так как смотрит на солистов. То есть на сцене всегда есть что-то главное, а что-то второстепенное. И зритель должен увидеть это главное и интересное. Закон перспективы (все, что дальше меньше). Например, построение линейной композиции, для сохранения равномерного роста исполнителей в глубину нужно ставить более высоких, или можно создать эффект уходящей. Сценические планы. Сценическое пространство имеет 3 измерения: глубину, ширину, высоту. По глубине сцена делится на сценические планы, которые определяются на кулисы, и зависит от их количества; авансцена (просцениум); первый план (расстояние от красной линии до первой пары кулис). Красная линия - это черта, по которой проходит занавес. Просцениум и первый план воспринимаются почти одинаково, в случаи чего массовые танцы выглядят громоздко, здесь выдаются сценические фокусы, «убиваются» иллюзии, нужно убирать все силовые трюки, чтобы не выдавать «белых ниток» работы артиста, напряжения мимики. Слишком крупное движение на «носу» у зрителя утомляет

восприятие.

Второй план человек воспринимает всё сразу. Здесь хорошо смотрятся массовые танцы, прыжки, трюки. Хорошо делать выходы, когда выход персонажа нам бросается в глаза. Этот план называют ещё «семейным», именно здесь легче всего создаётся атмосфера

жизни, действия одновременно целой группы людей. Третий и четвёртый план сцены – чем дальше мы удаляем исполнителей от зрителей, тем незаметнее становятся физические усилия, мимика исполнителей не видна, но зато взгляд охватывает всю или большую часть сценического пространства. Поэтому задние планы хороши для больших монументальных композиций, масштабных мизансцен (статичное расположение на сцене). Эффектом удаления от зрителя достигается большая компактность композиций, а так же более чёткое вписывание фигур в декорации. Но долговременное пребывание на заднем плане размагничивает зрителя. Поэтому нужно использовать закон контраста и полноценно использовать различные планы.

По высоте сценическое пространство делится на три размера:

1. на полу (ниже человеческого роста- par terre);

2. на высоте человеческого роста;

3. выше человеческого роста (поддержки).

Приёмы использования сценического пространства:

- изменение климата сцены (климат создают кулисы и задник);

- использование различных возвышений, перегородок, которые должны входить в предметную режиссуру и использоваться как можно правильнее;

- использование декораций и различных бытовых предметов.

Особенность человеческого взгляда – смотреть на сцену слева направо, это от привычки читать слева. Поэтому, действие в левой стороне сцены чаще всего означает предварительность. Действие в правой стороне тяготеет к окончательности. Движение справа можно использовать, чтобы показать преодоление сопротивления. Хаос в рисунке вызывает «хаос» в голове зрителя. Появляется эмоциональное беспокойство. Организованное расположение танцующих отвечает эстетическим нормам порядка. Однако, зная эту закономерность, можно специально, если этого требует замысел, проигнорировать её. Можно использовать вкачествехудожественного приёма, чтобы вызвать у зрителя эстетический дискомфорт.

IV. Закон драматургического построения произведения. Драма – от греческого языка «действие». Драматургия – это логическая последовательность в развитии действия, одно действие порождает другое и является причиной его появления. Согласно

этому закону танец имеет начало, развитие и конец. Состоит из нескольких частей, каждое из которых имеет свою нагрузку

– это развитие позволяет танцу смотреться с непрерывным, все нарастающим вниманием. Разрабатывая программу танца, важно сделать так, чтобы каждое последующее действие по своей яркости, силе воздействия, выразительности было сильнее предыдущего. Единство содержания, формы, драматургии всегда должно быть в центре внимания постановщика. Чем детальнее разработает он драматургию, тем полнее и убедительнее будет донесена до зрителя тема и идея замысла. В период работы над сочинением содержания танца – его программой, постановщик намечает все действия персонажей на основе жизненной логики, разрабатывает драматургию сценического воплощения танца. Так возникает балетмейстерское решение танца, которое оформляется в виде композиционного плана – это музыкально-хореографический сценарий, в котором в органическом единстве разработано драматургическое развитие содержание танца с подробным решением конкретных хореографических форм его воплощения. В нем содержатся следующие сведения: время и место действия танца, обстановка, в которой возникает действие, описание декораций, при необходимости подробно излагается по законам драматургии всё действие танца с характеристикой и обоснованием поступков действующих лиц, последовательно описанная экспозиция, завязка, ступени развития действия, кульминация, развязка. Указывается предположительный характер хореографической формы танца

– монолог, дуэт, хоровод, кадриль, перепляс и т.п. Отмечается характер музыки, её темп, размер. Делается точный хронометраж всего танца в минутах и отдельных эпизодов в секундах с указанием примерного числа тактов музыки, характера её звучания. Иногда композиционный план называют сценарием – словесный проект балетного спектакля, содержащий изложение его главных событий (сюжета), идеи, конфликта. Сценарий служит основой для создания музыки и постановки будущего произведения. Он не только составная часть хореографического произведения, но и особый род литературы.

Контрольные вопросы:

1. Какие формы хореографического искусства знаете?

2. Назовите жанры в хореографии

3. Перечислите пять составных частей при сочинении хореографического произведения

4. Какие законы существуют в композиции танца?

5. Практическое задание: составить план танцевального номера, разработка тактовой схемы-структуры музыкального материала.