После реформ Петра I и открытия «окна в Европу» кардинальным образом изменилась и русская культура. Русские художники познакомились с зарубежными «коллегами», иностранцы стали работать при дворе. Новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи.
Но, чтобы в полной мере оценить степень изменений, давайте я напомню, с чем мы имели дело в 17 веке.
Парсуна — это вид ранней русской портретной живописи, который развивался в XVII — начале XVIII века.
В странах Европы еще в XV веке началась эпоха Возрождения. Это привело к бурному развитию живописи, появлению новых стилей и жанров. А в Русском царстве в то время главенствующую роль в изобразительном искусстве играла иконопись.
Местная православная церковь старательно оберегала древние иконописные традиции и препятствовала развитию других видов живописи. Только после раскола в 1650-1660-х годах начались послабления в этой сфере. Мастера Кремлевской Оружейной палаты одними из первых начали формировать новые художественные идеалы и создавать примитивные светские портреты (парсуны).
Слово «парсуна» происходит от искаженного латинского слова persona, что означает «личность», «особа», «лицо». До XVIII века так называли все портретные изображения людей. Впервые выделил парсуну как особый жанр историк и искусствовед Иван Снегирев в книге «Древности Российского государства».
В парсунах все еще прослеживались иконописные традиции: идеализация героев, каноничность образов, статичность поз, плоскостное письмо. Как и иконы, такие протопортреты часто писали на дереве темперными красками. Но в то же время парсуна приобретала черты будущего светского портрета: авторы писали с натуры, стремились к реалистичному и объемному изображению и уже начинали использовать холст и масляные краски.
Потому и в парсунном наследии выделяются два направления творчества. Одно, с преобладанием иконописных черт, представляют темперные портреты князя Михаила Скопина-Шуйского, царей Ивана Грозного, Федора Ивановича. Другое — приближающееся к европейскому портрету — составляют парсуны с изображением патриарха Никона, воеводы Афанасия Ордина-Нащокина.
Авторы большей части парсун оставались неизвестными, однако среди них ярко выделялись последователи крупной школы живописцев Оружейной палаты Московского Кремля — Симон Ушаков, Федор Зубов, Богдан Салтанов, Карп Золотарев, Иван Рефусицкий, Иван Безмин, Михаил Чоглоков.
Парсуна стала переходным жанром между иконописным изображением людей и светским портретом.
В конце XVII века молодой российский царь Петр I после поездки в составе Великого посольства в страны Европы начинает в России крупномасштабные реформы.
Людей разных профессий отправляли учиться за границу, в том числе и художников. Тех, кто получал знания за государственный счет, называли пенсионерами (от слова «пенсион» — содержание на время обучения). Среди первых живописцев, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев.
Иван Никитин родился в 1680-е годы в городе Москве, сын священника.
Учился в Москве, по всей видимости, при Оружейной Палате в гравировальной мастерской.
В 1711 году Иван Никитин был переведен в Петербург, учился у Иоганна Таннауэра, немецкого художника, который одним из первых принял приглашение Петра Первого переехать в Петербург, учить перспективной живописи русских художников. Быстро завоевывает авторитет при дворе.
В 1716—1720 на государственную пенсию, вместе со своим братом Романом послан (в числе двадцати человек) учиться в Италии, в Венеции и Флоренции. После возвращения становится придворным художником. Так, Никитину принадлежит портрет умирающего Петра Первого.
Времени для написания последнего портрета государя было выделено мало, что естественно в данных условиях, и Никитин приступил к работе вдохновенно, смело и быстро, точно направляя мазки. Холст был загрунтован красно-коричневым тоном, что художник очень умело использовал в работе. Он воспользовался этим фоном для определения тени, оставляя красно-коричневый цвет почти нетронутым, это заметно на складках рубахи, теневой стороне подушек и шее.
Никитину приходилось писать картину начисто, без поправок, мастерски используя прием письма светлых тонов по-темному, что требует больших умений.
Одной из самых известных работ Никитина становится Портрет напольного гетмана. Идентификация модели невозможна. В последние годы высказывалось предположение о том, что «Портрет напольного гетмана» — автопортрет Ивана Никитина. На портрете неизвестного предстает почти трагический образ, находящегося наедине с собой, думающего горькие думы человека. Его запавшие глаза с покрасневшими веками напряженно всматриваются не вдаль, а вглубь себя. Никитин в создании этого образа выступает как большой мастер, которому под силу сложные психологические характеристики
Дальнейшая жизнь Никитина складывалась трагично. В 1732 году И. Н. Никитин вместе с братом Романом, также художником, был арестован по делу о распространении пасквилей на архиепископа Феофана Прокоповича. После пяти лет предварительного заключения в Петропавловской крепости был бит плетьми и сослан в Тобольск пожизненно.
В 1741 году, после смерти Анны Иоанновны, Иван Никитич Никитин получил разрешение вернуться в Москву. Выехал в 1742 году и скончался по дороге.
Никитин является одним из первых (часто называется первым) русских художников, отошедших от традиционного иконописного стиля русской живописи и начавших писать картины с перспективой, так, как в это время писали в Европе. Тем самым он является основателем традиции русской живописи, продолжающейся до настоящего времени.
Еще одной значительной фигурой в становлении русской живописи стал Андрей Матвеев. Екатерина 1 отправила юного живописца учиться в Голландию.
Венера и амур. За границей русские художники погружались в европейскую культурную среду. Они знакомились с направлениями, которые уже долгое время развивались в искусстве законодательницы мод Франции, национальной живописи Англии, наследнице Ренессанса Италии и Голландии. На манере их письма отражались популярные в Европе стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удавалось сохранять черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурных барокко и рококо были заметны элементы аскетичной парсуны.
В творчестве одного художника часто проявлялись черты разных стилей. Происходило это оттого, что в Европе русские мастера знакомились сразу и с барочными мотивами, и с зарождающимся сентиментализмом.
Вскоре по возвращении из-за границы Матвеев женился на дочери кузнечного мастера Канцелярии от строений. В это время ему было двадцать семь лет, а ей — четырнадцать. Тогда и была создана лучшая, известнейшая и вызывающая множество споров работа художника - "Автопортрет с женой".
В петровскую эпоху изобразительное искусство было приравнено к ремесленничеству, и своё имя под работами художники не ставили. Андрей Матвеев был первым из русских живописцев, кто осмелился увековечить свой образ в живописи и подписать свой труд: «Матвеев Андрей, первый Русский живописец, и его супруга. Писал сам художник. 1729г.». Это был беспрецедентный по тем временам поступок молодого художника.
Эта работа является единственной картиной этого жанра в русском искусстве первой половины ХVIII века. Первый автопортрет в русской живописи, впервые русский художник решается привлечь внимание к своей персоне и столь открыто заявить о своих чувствах. Впервые предметом изображения становятся нежно-любовные отношения между супругами.
Супруги изображены по пояс, на фоне облачного неба. Они как бы прогуливаются, при этом лица их обращены к зрителю, словно, заметив его, они остановились на мгновение для приветствия. Выходцы из средних слоев общества, они одеты в изысканные и дорогие платья, по придворной моде, но на их лицах вовсе нет самодовольного или надменного выражения. Напротив, они исполнены благородной простоты и того достоинства.
Россика. Пока русские живописцы учились за рубежом, ко двору приглашали иностранных художников. Они писали полотна на заказ и набирали учеников «на местах». Одними из первых прибыли в Россию в начале XVIII века француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Елизаветы важную роль в искусстве сыграли братья Гроот и итальянец Пьетро Ротари. Для обозначения работ иностранных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.
Луи Каравак
Луи Каравак родился в Марселе в семье резчиков-декораторов. Каравак своим искусством привлек внимание Петра Великого, с которым впоследствии был заключен договор о работе в России в качестве живописца «для исполнения портретов и баталий» и по которому он также должен был обучать искусству живописи русских учеников.
С 1716 года и до конца своей жизни Луи Каравак жил в России и был придворным художником. В 1722 году сопровождал Петра 1 в Астрахань, где написал его портрет. В Санкт Петербурге им были написаны портреты Екатерины Первой, портреты царевен — Анны Петровны, Елизаветы Петровны, а также Петра Петровича и многих других царственных особ. В царствование Петра Первого Каравак получал жалование 500 рублей в год и жил в собственном доме, подаренном ему Петром Первым.
Наиболее удачно художнику удавались портреты детей. Большинство портретов Каравак писал в духе позднего барокко: пышного, мрачного, величественного. Его портреты отличались необыкновенным сходством с моделью и «нарядным колоритом».
Цесаревна Наталья Петровна (1718—1725) — дочь Петра I. Похоронена в один день с отцом в Петропавловском соборе Петропавловской крепости в Петербурге.
Каравак работал и батальном жанре: написал несколько картин для дворца Екатерины Первой в Летнем саду. Он также был одним из первых художников, писавших иконы для православных церквей.
Художник создал живописную школу и воспитал плеяду замечательных русских портретистов, среди которых нужно назвать Ивана Вишнякова, Алексея Антропова. Впервые в России он организовал, по образцу иностранных академий, учебное рисование обнаженной натуры и копирование образцов старых мастеров.
Именно благодаря Караваку в русской живописи появился жанр парадного портрета, в котором будут писать великие Рокотов, Боровиковский, Левицкий...
Таннауэр
Одним из самых популярных немецких художников петровского времени был Иоганн Готфрид Таннауэр . Он был один из первых мастеров, принявших приглашение Петра и заключил контракт о поступлении в русскую службу в Вене, в октябре 1710 года.
Неоднократно писал портреты Петра I и Екатерины I. Одной из самых известных его картин является конный портрет Петра: “Петр I в Полтавской битве” 1710-х годов.
При Петре I появились и первые частные коллекции живописи. Полотна собирали Александр Меншиков, Борис Шереметев, князья Голицыны. Императрица Елизавета Петровна создала первые картинные галереи при дворе. И совершенно все изменилось при Екатерине II: «музеи» живописи теперь контролировали на государственном уровне. Иностранных мастеров приглашали ко двору, картины скупали через российских дипломатов за рубежом. Екатерина II собрала достойную коллекцию западноевропейского искусства. Именно на ее основе к концу века был сформирован один из богатейших фондов живописи в мире — будущий Эрмитаж.
Архитектура
Изменения во всех областях жизни потребовали нового художественного языка во всех видах искусства. Новая конструктивная система создавалась и в архитектуре. В 1703 г. был заложен город, ставший столицей Российской державы. Построить город на болотах, в условиях трудной Северной войны было дерзкой, почти нереальной мыслью. («Самый предумышленный город на свете»,– сказал о нем впоследствии Ф.М. Достоевский.) Но строительство это было вызвано острой необходимостью, и оно осуществилось. Сам план города с его регулярностью и симметрией, с его параллельно-перпендикулярным устройством улиц, застройкой по красной линии был новым по сравнению с древнерусскими городами.
Город возник сначала как крепость и порт, поэтому Петропавловская крепость и Адмиралтейство, окруженные укреплениями, были одними из первых построек. Все силы государства, без преувеличения, были брошены на строительство нового города. Это не значит, что в Москве совсем не велись строительные работы. Но истинным центром становится Петербург, через него осуществляется живая связь России с Западом.
Проект планировки Петербурга (1716) был разработан приглашенным Петром талантливым архитектором Ж.-Б. Леблоном (1679–1719).
В 1716 году был приглашен Петром I в Санкт-Петербург, где, будучи «генерал-архитектором», руководил строительством города. Также известен выполненный Леблоном в том же году «образцовый» чертёж дома для застройки набережных. Это был двухэтажный дом с фасадом на семь осей (то есть 7 окон и дверь в центре) и высокой крышей.
Скончался от оспы 10 марта 1719 года в Санкт-Петербурге. По версии петербургского историка Е. В. Анисимова, изложенной им в статье «Поучительные истории. Жан Батист Александр Леблон» (1999), знаменитый архитектор не выдержал оскорбления, нанесённого ему царём Петром I, который по наущению А. Д. Меншикова за медлительность на работах в Петергофе при всех ударил Леблона палкой.
Свой образ Петербурга создавал опытный зодчий и строитель Доменико Трезини (ок. 1670–1734), по сути, главный архитектор города этого времени.
Он постороил Петропа́вловскую кре́пость на Заячьем острове (историческое ядро города). Дата закладки крепости 16 (27) мая 1703 года, является датой основания Санкт-Петербурга. Никогда не использовалась ни в одном сражении. С первой четверти XVIII века до начала 1920-х годов служила тюрьмой. С 1924 года является государственным музеем.
Петропавловский собор. Пётр стремясь усилить положение молодой столицы задумал новое строение, которое поднялось бы выше колокольни Ивана Великого. Новый храм должен был стать самым значительным сооружением столицы и находиться в самом сердце Петропавловской крепости.
Это трехнефная базилика с высокой колокольней со шпилем. Колокольня представляет уже не привычный русскому глазу восьмерик на четверике, а единый, в несколько ярусов-этажей массив, напоминающий европейские колокольни или ратушные башни.
Трезини принадлежит также здание Двенадцати коллегий (1722, закончено к 1742 г. при участии М. Земцова). Единое здание расчленено на 12 ячеек – «коллегий» (каждая с самостоятельной кровлей), соединенных единым коридором и галереями первого этажа, из которых до нашего времени сохранилась лишь одна. Пилястры, объединяющие два верхних этажа, придают цельный характер всему зданию.
Жители города, часто задаются вопросом, почему же здание Двенадцати коллегий было построено не вдоль набережной Невы, а перпендикулярно к ней? Ведь здание, всегда имело большую общественную значимость и в принципе, могло бы стать композиционным центром, Университетской набережной. Есть легенда, которая объясняет это нестандартное расположение здания.
Согласно легенде, Петр Первый, которому пришлось уехать, из строящегося Петербурга, поручил своему первому помощнику, Александру Меншикову, смотреть за ходом строительства Двенадцати коллегий. Когда Меншиков ознакомился с планом, он увидел, что строение, длиной почти в 400 метров, по задумке архитектора, должно ориентироваться фасадом на Неву. Он вдруг понял, что в таком случае на набережной, которая считалась, наиболее фешенебельной частью города, не останется места для его собственного дворца. А Меншиков, не мог допустить этого. Он непременно хотел построить на набережной свой особняк, и возведение здания Двенадцати коллегий явно мешало его планам. Тогда то он и приказал, построить Двенадцать коллегий не вдоль набережной, а перпендикулярно к ней, и на освободившемся месте заложил собственный дворец.
Когда Петр Первый вернулся и увидел, как расположено здание Двенадцати коллегий, он протащил Меньшикова за волосы по всем 12 коллегиям.
Эта легенда, о здании Двенадцати коллегий и его величественном соседе - дворце Меншикова, у многих вызывает сомнения. Есть историки, которые, что фасад Двенадцати коллегий, хотели ориентировать на центральную площадь города, но позже, планировка Петербурга была изменена, а здание уже было построено.
Растрелли
Еще одним выдающимся архитектором стал Франческо Бартоломео Растрелли
Родился в Париже. После смерти Людовика XIV его отец, опытный скульптор, и оказался на грани разорения, поэтому охотно принял предложение царя Петра I о переезде на постоянную работу в Российскую империю. Весной 1716 года Растрелли-старший вместе с семьей прибыл в Петербург и поселился неподалеку от центра города.
Зимний дворец — главный императорский дворец России. Здание дворца (пятое) было построено в 1754—1762 годах русским архитектором итальянского происхождения в стиле пышного елизаветинского барокко с элементами французского рококо в интерьерах.
Русское искусство, прежде всего архитектура не прошло стадий классицизма и подлинного барокко, поэтому возник феномен ускоренного развития и «наслоения» в кратчайшие сроки различных стилевых фаз и этапов (которые страны Западной Европы проходили последовательно), сочетания «передовых черт с элементами отсталыми, с традициями глубоко консервативными».
Начиная с советского времени в стенах дворца размещена основная экспозиция Государственного Эрмитажа.
Именно Растрелли удалось соединить все основные стилевые черты искусства его времени: основы классического итальянского барокко XVII века, элементы западноевропейского архитектурного классицизма, эстетику и орнаментику модного тогда стиля рококо и традиции древнерусского зодчества.
В архитектуре Растрелли очевидны влияния Версаля — архитектуры Большого дворца, яркого примера «большого стиля» эпохи правления Короля-Солнце Людовика XIV.
Здание включало в себя около 1500 комнат. Общая площадь дворца составляла порядка 60 тыс. м². Елизавета Петровна не дожила до окончания строительства, принимал работу 6 апреля 1762 года уже Пётр III. К этому времени была закончена отделка фасадов, но многие внутренние помещения ещё не были готовы. Летом 1762 года Петра III свергли с престола, и строительство Зимнего дворца было окончено уже при Екатерине II.
Оригинальных интерьеров Растрелли до нас почти не дошло: во время пожара 1837 года выгорела вся отделка залов.
Лестница получила название Иорданской, так как по ней во время праздника Крещения Господня спускался крестный ход к Неве, где во льду вырубалась для освящения воды прорубь — иордань. Во времена Растрелли лестница была деревянной, колонны облицованы розовым искусственным мрамором. Уничтоженная пожаром, лестница была воссоздана. Вместо колонн из розового искусственного мрамора были установлены сдвоенные колонны серого гранита; вместо кованых золочёных перил появилась мраморная балюстрада.
Малахитовая гостиная входила в состав личных покоев супруги Николая I — Александры Фёдоровны. Это единственный сохранившийся образец оформления малахитом целого жилого интерьера. На отделку зала пошло 125 пудов малахита. Из Малахитовой гостиной императорская чета выходила на балы, церемонии и банкеты. В гостиной часто отмечались семейные праздники.
Малая (Белая) столовая
Оформление столовой относится к стилю неорококо. В том же характере выполнена английская люстра середины XVIII века. На стенах в лепных рамах в виде рокайля — шпалеры, вытканные на Петербургской мануфактуре в середине XVIII века. Сейчас в зале в шкафах-витринах экспонируются предметы из русского стекла XVIII—XIX веков.
В ночь с 25 на 26 октября 1917 года при штурме Зимнего дворца именно в Малой столовой было арестовано заседавшее здесь Временное правительство.
Петергоф
Довольно скромный царский дворец был перестроен Елизаветой по модели Версаля (арх. Ф. Б. Растрелли), — в так называемом стиле барокко.
Парадный вход отличается парадной и роскошной отделкой. В нём Растрелли достиг максимального синтеза искусств, применив едва ли не все возможные средства декорирования: масляная живопись плафона, темперная роспись стен, лепнина, резьба по дереву, кованый металл. В интерьере лестницы многообразно представлены различные скульптурные формы: барельефы, картуши, статуи, рокайли, вазы.
Но основным элементом декора, традиционным для растреллиевских интерьеров, является золочёная резьба по дереву. Нижнюю часть лестницы украшают резные кариатиды. Самые заметные скульптуры верхней части — аллегорические изображения времён года, украшающие верхнюю площадку лестницы. Весна, Лето - девушки.
Танцевальный зал площадью около 270 м² занимает всё западное крыло дворца. По декоративному убранству — самый пышный интерьер, разработан в особом праздничном ключе. Изобилие зеркал создаёт эффект многократно умноженного пространства.
1 278
39 550 
